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CONFESSATE: siete già passati dalla fase in cui fate tutte le foto storte? La fase in cui tutti i ritratti sono inclinati?! No, non è un problema di labirintite, ma l’inconsapevole accorgersi che una linea diagonale è più dinamica di una verticale o orizzontale. E così ecco la fase storta che molti fotografi attraversano! Tranquilli ci siamo passati tutti: poi passa! Ma vi siete mai chiesti perché le linee diagonali ci piacciono così tanto?! Noi tutti (ahimè) siamo soggetti alla forza di gravità! Ci aspettiamo quindi che ciò che si trova in posizione verticale e ciò che si trova in posizione orizzontale (ancora di più) sia tendenzialmente stabile. Quello che invece è inclinato (se parliamo di linee possiamo dire in diagonale) si trova in una posizione a maggior energia potenziale (maledetto ingegnere esci da questo corpo!) Insomma: poiché le linee diagonali si trovano in posizione instabile rispetto alla forza di gravità (ci aspettiamo che prima o poi cadano da una parte o dall’altra) trasmettono una sensazione di maggiore dinamica. Ci suggeriscono un’idea di movimento perché in qualche modo se non ci fosse una spinta dinamica ci aspetteremmo di vederle orizzontali o verticali, cioè in una posizione stabile! Le linee diagonali permettono quindi di far correre velocemente lo sguardo all’interno del fotogramma, di scorrere l’intera immagine, da un’angolo all’altro. Le linee diagonali possono presentarsi naturalmente oppure, cosa che accade spesso, essere dovute alla prospettiva. Oltre a rendere più leggibili le immagini, le linee possono contribuire a evidenziare un soggetto a far scorrere cioè lo sguardo dello spettatore dove vogliamo noi. Insomma sfruttatele, provate a costruire e soprattutto provate a individuarle e ad utilizzarle nella costruzione dell’immagine. Funzionano molto bene!

Le linee verticali trasmettono una sensazione di maggiore dinamica rispetto alle linee orizzontali, opponendosi in qualche modo alla posizione stabile, “sdraiata” dell’orizzonte. La spinta visiva è quella dall’alto verso il basso o viceversa, e così accompagnano l’occhio dell’osservatore a muoversi nell’immagine anche in alto e in basso. In alcuni casi, e a seconda dell’inquadratura, potremmo quasi dire che le linee verticali spingono l’osservatore in avanti all’interno dell’immagine (o indietro). Aiutano a “bucare” l’immagine!! Spesso quando la dominante nell’immagine ha una tensione verticale tendiamo a girare la fotocamera per scattare proprio in questa direzione. In questo modo accompagniamo meglio il flusso dello sguardo. Alberi, figure umane e palazzi sono, ad esempio, dei soggetti con una spinta verticale naturale che si prestano in modo quasi istintivo all’inquadratura in questa direzione. Quando invece gli elementi verticali tendono a ripetersi è interessante notare come una scelta di inquadratura orizzontale possa risultare vincente. Ecco quindi che una inquadratura orizzontale di elementi ripetitivi verticali regala un forte senso di ritmo all’immagine. Tendiamo dividere le linee ma in moltissimi casi queste vivono e convivono nell’immagine, creando equilibri, disequilibri e tensioni dinamiche interessanti. Vediamo un po’ di esempi. Un ritaglio dell’immagine verticale avrebbe reso ancora più potente la linea del sentiero ma avrebbe estrapolato molto il contesto. A mio parere è meno efficace. Nell’immagine precedente le linee (verticale della strada, orizzontale dell’orizzonte ed obliqua della montagna) creano una tensione visiva più interessante. L’immagine iniziale, a Yellowstone rappresenta una serie di alberi sotto una grande nevicata. L’inquadratura è stata scelta in modo da riempire il fotogramma con alberi e con la neve, giustificando una linea di orizzonte, quasi centrale, con i 3 alberi alti che spiccano. Tutte le linee si possono assimilare a verticali (alberi) ma insieme formano un ripetersi di elementi che crea un andamento orizzontale (se guardate l’immagine il ripetersi di pini fitti crea quasi un continuo orizzontale), regalando maggior peso alla nevicata. Il taglio quindi dona ampiezza e aumenta la sensazione di immensità della foresta. Insomma: la cosa importante è che cerchiate di individuare queste direttrici, che proviate a sfruttarle e a sperimentare. Come sempre: guardare, camminare e provare!!

Le linee orizzontali tendono a fermare o comunque rallentare lo scorrimento dello sguardo nell’immagine. Trasmettono un senso di tranquillità e di quiete, ma allo stesso tempo di staticità o immobilità. Le linee orizzontali richiamano la linea dell’orizzonte (ma vaaa) e danno quindi un punto di riferimento che ci trasmette stabilità. Anche la mano dell’uomo ci può fornire di queste linee. Architetture e geometrie ci regalano rette decise. Gradini, impalcature, cornicioni, linee delle finestre. Ma anche in natura sono facilmente rilevabili: linee disegnate da campi e prati, linee create da elementi sovrapposti, striature nel cielo o linee di acqua, nuvole o ombre. Sbizzarritevi! L’orizzonte Abbiamo accennato al fatto che la linea di orizzonte è senza dubbio una linea di particolare importanza. Il posizionamento rispetto al fotogramma della linea di orizzonte è importante e significativa.  Non ci sono regole assolute per il posizionamento dell’orizzonte ma è fondamentale fare una scelta consapevole. Se vogliamo dare una forte importanza al cielo, perché particolarmente significativo, porremo la linea di orizzonte verso il basso, per lasciare al cielo più spazio nel fotogramma. Se la nostra sensazione è che cielo e terra abbiano importanza similare allora probabilmente cercheremo di porre l’orizzonte in posizione più centrale. Al contrario se il cielo non offre particolari interessi e la parte bassa dell’immagine è particolarmente significativa, cercheremo di posizionare l’orizzonte in alto. Almeno in fotografia paesaggistica, tendenzialmente, si predilige una linea di orizzonte allineata  al fotogramma (insomma l’orizzonte storto normalmente è un discreto fastidio!) Difficilmente un orizzonte pendente sarà piacevole (a meno che per qualche motivo compositivo o emotivo non decidiate deliberatamente di inclinarlo). Un orizzonte leggermente storto risulta solitamente piuttosto odioso e basta!! Se poi è presente dell’acqua che come sappiamo tende a livellarsi, la questione nella maggior parte dei casi diventa davvero molto molto molesta!! SUGGERIMENTO! Se, come me, tendete ad avere problemi a stare in bolla e non siete perfettamente centrati, potete attivare la funzionalità di orizzonte virtuale sulla vostra macchina fotografica. Se questa funzionalità (che generalmente si presenta come una specie di “bolla”, una linea di orizzonte virtuale che magicamente vi avverte se siete bene orizzontali) può dare fastidio (io non la uso perché mi risulta invadente ma se non l’avete mai provata vi suggerisco di farlo), il consiglio è di prestare molta attenzione e nel caso tenere l’inquadratura leggermente più ampia (LEGGERMENTE!… non è che mi inquadrate tutto il pianeta!), in modo che se dovesse essere necessario raddrizzare un po’ l’immagine (e quindi inevitabilmente ritagliare un po’) non correte il rischio di eliminare elementi utili.

Cominciamo con le forme geometriche più semplici, quindi con l’utilizzo delle linee. Orizzontali, verticali, oblique o curve le linee si possono presentare in natura in modo molto esplicito o semplicemente suggerito. La linea diagonale di una montagna è, ad esempio, una linea forte e continua, decisa che divide o accompagna in modo importante. Poiché abbiamo detto che una delle problematiche della fotografia di paesaggio e natura è spesso quella di catturare l’attenzione dello spettatore, le linee sono un bellissimo strumento per guidare l’occhio di chi guarda verso il luogo che ci interessa, verso il soggetto della foto, dove ci fa comodo, insomma! Le linee più semplici che possiamo individuare sono le linee rette. Linee decise che a seconda della loro direzione possiamo semplificare in orizzontali, verticali e diagonali. Le linee perfettamente rette sono difficilmente presenti in natura, ma molte linee naturali sono assimilabili a rette. Rette invece sono spesso le linee frutto dell’intervento umano. Cerchiamo di vederle e di inserirle nella nostra immagine, per portare chi guarda dove vogliamo o per dare ritmo all’immagine. ATTENZIONE: quando facciamo fotografia di paesaggio siamo spesso tentati di eliminare tutto ciò che non è naturale: detestiamo case, pali della luce e la presenza umana in generale. Spesso mi viene chiesto se tolgo “quella robaccia in post-produzione”. Allora: io sono una dura e pura del timbro-clone: assolutamente non lo uso (se non per eliminare le macchie del mio povero sensore) e non tolgo mai nessun elemento presente nella scena! Se un elemento è lì in foto e non l’ho visto… anatema su di me e feroce punizione perché dovevo guardare! (torno alla lezione 2!) Se l’ho visto e non posso toglierlo dall’inquadratura, allora provo a sfruttarlo: abituiamoci a utilizzare al meglio tutto ciò che non possiamo eliminare! Sopra ho provato a fare un esempio con linee e senza linee: e sì ho usato il timbro-clone (molto male e molto rapidamente!) per togliere le righe, ma naturalmente solo ad uso esclusivo di questo esempio. Le mie righe di pneumatico della foto le tengo ben strette! Aiutano a riempire il fotogramma e un paio di loro mi accompagnano verso la minuscola figura umana che contribuisce a dare un punto di riferimento dimensionale all’ambiente fotografato. Il taglio verticale accompagna meglio le linee di quello orizzontale. Fotografare un ambiente molto vuoto come questo è molto difficile. Linee e direttrici possono essere un aiuto fondamentale! Che dite? Avete provato? Funziona?

Ora fingo di essere una persona seria e provo a introdurre un concetto, molto noto ma molto interessante! Questa è una teoria psicologica davvero complessa e riguarda la percezione. Non avendo (purtroppo) abbastanza competenza per addentrarmi troppo nel merito, mi limito ad analizzare invece quelle che sono le sue pratiche applicazioni in ambito fotografico (ma se vi interessa trovate un sacco di materiale). Nel nostro campo possiamo semplificare questa teoria con un concetto abbastanza semplice: il tutto è diverso, superiore, rispetto alla somma delle sue parti ( … va che proprio semplice no, ma in realtà come spesso succede è più facile da fare che da spiegare!)

Le linee sono le forme più semplici (lasciamo da parte i punti per ora) e da quelle inizieremo a parlare. La prima scelta di linee, anche se spesso non ci si pensa, è la scelta della direzione del fotogramma. Quando scattiamo un’immagine, in qualsiasi formato sia, questa è caratterizzata da dei limiti: i bordi appunto del fotogramma. Vi sembra un’osservazione banale? Beh in realtà fino ad un certo punto. Avete mai pensato che anche quelle sono linee e che si possono e si devono sfruttare!? Beh a meno che non scattiate in formato quadrato (prima o poi parleremo anche di tagli, ritagli e formati) la vostra immagine in quanto rettangolare sarà caratterizzata da una direzione. Orizzontale o verticale. La prima scelta compositiva che facciamo e che probabilmente è la più istintiva per qualsiasi fotografo è la posizione con cui impugnato la macchina fotografica. Sfoderiamo la nostra macchina fotografica e quasi senza pensarci la sistemiamo in una direzione piuttosto che in un’altra. Alcuni soggetti hanno tendenzialmente una direzione: ad esempio palazzi, persone, alberi saranno inquadrati con un formato verticale in modo più istintivo rispetto a paesaggi o gruppi di persone.

Come abbiamo visto se l’occhio dell’osservatore vaga senza meta all’interno dell’immagine non trovando un preciso punto di interesse la fotografia risulta, confusa e poco leggibile. E così rischiamo di scatenare l’odioso ’effetto “mmmm …????” Dobbiamo quindi provare ad accompagnare l’occhio di guarda le nostre foto in modo da indirizzarlo. Linee e forme geometriche da sempre sono funzionali a questo scopo. Non solo in fotografia, ma anche in arte l’uso di forme, linee e geometrie è da sempre utilizzato per rendere un’immagine più leggibile e più piacevole. Ad esempio il triangolo come elemento per l’organizzazione della composizione si ritrova spesso nei dipinti e nella scultura del Rinascimento. Questa distribuzione trasmette ordine e stabilità. 

Abbiamo già accennato al fatto che spesso nella fotografia di paesaggio la composizione sia un aspetto fondamentale, forse ancora più importante che in altri tipi di fotografia. Perché? Perché spesso traiamo soddisfazioni maggiori fotografando una persona ad esempio, piuttosto che un paesaggio? ( Non pensate subito male: non sto parlando delle indubbie soddisfazioni del fotografare modelle, o purtroppo molto più raramente modelli, seminudi ) Ma del fatto che spesso è più “facile” fotografare le persone, semplicemente perché il soggetto di queste immagini è evidente, e quindi il contenuto della foto più facile da individuare.